Schnelle Fragen an den Maler Javi Cazenave

Javi ist ein Architekt, der sich mehr für die künstlerische Seite räumlicher Eingriffe interessiert, sei es durch die Darstellung auf Papier oder durch physische Installation. Nach seinem Master in Architektur an der Universität von Sevilla und La Villete (Paris) zog er nach London, wo er seit mehr als sechs Jahren lebt und arbeitet.

Es war toll, ihm ein paar Schnellfeuerfragen zu stellen und seine Erklärungen zu seinem einzigartigen Ansatz zu hören, bei dem er gegen bestimmte Regeln der Perspektive und Geometrie verstößt.

Wie sehen Ihre Morgen aus?

Meine Füße hängen über der Bettkante, ich blicke mit Schwindelgefühlen auf den Teppich und versuche herauszufinden, wie ich die nächsten 24 Stunden überleben soll … (lacht).

Ehrlich gesagt bin ich nicht der Typ Mensch, der sich strikt an eine Routine hält. Vor allem, weil ich in den letzten Jahren aufgrund meines letzten Jobs verschiedene Morgenmuster hatte. Ich habe in einem Architekturbüro gearbeitet und zu dieser Zeit verlief der Morgen stereotyp. Aber selbst damals und heute noch habe ich gewisse Gewohnheiten, die meinem Tag eine gewisse Struktur verleihen.

Ich stehe morgens gern früh auf. Ich genieße die Stille und die kühle Kälte des Morgens. Ich trinke einen Kaffee, eigentlich zwei (manchmal auch drei!) und widme die ersten paar Stunden administrativen Aufgaben an meinem Computer: E-Mails checken, Fotos meiner Arbeiten bearbeiten, mir einige Online-Galerien und kommende Ausstellungen ansehen usw.

Danach gehe ich ins Studio und verbringe dort den ganzen Nachmittag/Abend.

Wann haben Sie zum ersten Mal die Kunst entdeckt oder erkannt, dass Sie sich kreativ betätigen möchten?

Kunst war in meinem Leben schon immer präsent, seit ich klein war. Mein Vater hat immer gemalt und ich bin praktisch in dieser Umgebung aufgewachsen. Er hatte dieses tolle Atelier (das er immer noch hat) in der Altstadt meiner Heimatstadt Cádiz (Spanien).

Ich ging nach der Schule immer dorthin und hing mit meinem Vater herum, während er malte. Damals war mein Ding das Zeichnen (die Wände hängen tatsächlich immer noch damit), aber kurz darauf begann ich zu malen und lernte auch andere Techniken wie Bildhauerei und Radierung.

Jetzt, wo ich etwas Abstand gewonnen habe, ist mir klar, dass ich eine ganz besondere Erziehung hatte. Ich war mit erwachsenen Künstlern zusammen, besuchte Vernissagen, verbrachte meine Abende in Kunstateliers … damals war mir, glaube ich, nicht ganz bewusst, wie besonders das war …

Das war wirklich der Ausgangspunkt.

Wie würden Sie Ihre Kunstwerke beschreiben?

Sehr persönlich
Eklektisch
Irrational
Vorsätzlich
Spontan
Widersprüchlich
Architektonisch inspiriert
Geometrisch
Postvandalismus/ Post-Graffiti inspiriert

Gibt es Themen oder Motive, die Sie interessieren oder die in Ihrer Arbeit dargestellt werden?

Je mehr ich über meine Arbeit nachdenke, desto mehr glaube ich, dass ich nichts anderes mache als ständige Studien über mögliche architektonische Vorschläge und Installationen, die nie umgesetzt werden. Meine Arbeit erforscht die Beziehung zwischen räumlichen Erfahrungen und ihrer grafischen Darstellung.

Ich neige dazu, gegen bestimmte Regeln der Perspektive und Geometrie zu verstoßen. Ich spiele gern mit der Wahrnehmung, falte Oberflächen, Ebenen und Volumina und erzeuge so die Illusion von Mehrdeutigkeit und Interaktion zwischen Volumina im Papierraum.

Ich denke, die Architektur hat mir einen sehr starken Input gegeben, der mich dazu gebracht hat, verschiedene Prozesse zu untersuchen. In meiner Praxis besteht jedoch dieses ständige Dilemma zwischen der organisierten und vorsätzlichen Welt der Architektur und der spontanen und befreienden Welt der Künste. Je weiter ich meine Praxis entwickle, desto mehr wird mir klar, dass diese beiden Welten letztendlich zu einem einzigen Ausdruck verschmelzen werden. Im Moment ist die Malerei mein Hauptmedium, mit dem ich mich bei der Materialisierung von Ideen viel wohler fühle.

Wie ist Ihr Prozess?

Normalerweise habe ich mehrere Bereiche, die ich untersuchen möchte, Ideen im Hinterkopf, die entwickelt werden wollen.

Die Sache ist, dass ich es so gewohnt bin, in „Projekten“ zu arbeiten, dass ich unbewusst dazu neige, bestimmte Konzepte aufzuteilen, und am Ende arbeite ich die meiste Zeit an Serien. Das gibt mir eine gewisse Struktur, um Ideen zu materialisieren. Dies sind jedoch keine vollständig geplanten Projekte. Ich beginne immer mit einer losen Skizze in meinem Notizbuch. Und das geschieht immer in einer nicht mit einem Atelier verbundenen Umgebung, normalerweise, wenn ich etwas völlig anderes mache. Tatsächlich konnte man in meinem jüngsten Architekturbüro sehen, dass die Seiten meiner Arbeitsnotizbücher eine Mischung aus Architekturkonzepten, To-Do-Listen und Vorschlägen für neue zu entwickelnde Gemälde waren.

Trotz des Skizzierens ist in meiner Arbeit ein großer spontaner Faktor vorhanden. Ja, ich habe eine Grundstruktur und eine Idee von dem, was ich entwickeln möchte, aber auf der Grundlage dieser Idee improvisiere ich gerne, je nach Stimmung und Kontext, in dem ich mich gerade befinde. Ich gehe mit viel Spontaneität an ein Gemälde oder eine Skulptur heran.

Was benötigen Sie, um Ihr Werk zu erstellen?

Nun, wenn es um Inspiration geht, würde ich Bewegung und Musik sagen. Ich weiß nicht, ich glaube wirklich, dass ich ein bisschen ADHS habe. Ich denke einfach besser, wenn ich in Bewegung bin (tatsächlich bin ich von meiner Wohnung zum Atelier mit dem Rad 10 Minuten unterwegs, was ich super finde, um in Malstimmung zu kommen).

Was das Material angeht, bin ich ehrlich gesagt ziemlich flexibel. Ich beziehe gerne Materialien aus Containern und Abfällen, um die Grundkompositionen meiner Arbeiten auf Papier zu erstellen. Das fügt eine zusätzliche Texturebene hinzu, auf die ich dann gerne male.

Was finden Sie an Ihrer Arbeit am entmutigendsten, herausforderndsten oder frustrierendsten?

Die Notwendigkeit, ein Konzept hinter der Arbeit zu entwickeln, die wir Künstler entwickeln.

Ich glaube nicht, dass das Konzept der Mittelpunkt eines Kunstwerks ist. Es gibt mehr Faktoren, die in das, was wir tun, einfließen, die über unser Verständnis hinausgehen. Faktoren, die mit der unterbewussten Welt und der Intuition zu tun haben, die das Ergebnis unserer Erziehung, unseres Kontexts, der Kultur, die wir konsumieren, der Kreise, in denen wir uns bewegen, sind …

Menschen fühlen sich sicher, wenn sie sich einem Kunstwerk nähern, das von einem Konzept gestützt wird. Es gibt ihnen eine Hauptstruktur, in der sie sich zurechtfinden können. Andernfalls werden sie ängstlich. Sie sind es nicht gewohnt, ein Kunstwerk intuitiv zu betrachten.

Und die Künstler gewöhnen sich so sehr an dieses Modell, dass sie ihre Arbeit schließlich nachträglich rationalisieren.

Ja, Konzepte können unsere Praxis bis zu einem gewissen Grad prägen und leiten, aber sie sind nie der Hauptdirigent des gesamten Stücks.

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